{"id":5440,"date":"2025-05-08T23:21:03","date_gmt":"2025-05-08T23:21:03","guid":{"rendered":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/?p=5440"},"modified":"2025-08-10T14:07:26","modified_gmt":"2025-08-10T14:07:26","slug":"todos-somos-creativos-formas-de-hacer-y-ensenar-arte-conversacion-con-victor-leon","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/2025\/05\/08\/todos-somos-creativos-formas-de-hacer-y-ensenar-arte-conversacion-con-victor-leon\/","title":{"rendered":"Todos somos creativos: formas de hacer y ense\u00f1ar arte. Conversaci\u00f3n con V\u00edctor Le\u00f3n."},"content":{"rendered":"\n
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Flip Book \/ descarga PDF<\/a><\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

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De la serie Urbano<\/em>\/ 2018
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Isis Saavedra Luna<\/strong> \/ Doctora en Ciencias Sociales, UAM-X. Soci\u00f3loga e historiadora. Profesora investigadora de tiempo completo, Departamento de Relaciones Sociales, Universidad Aut\u00f3noma Metropolitana, Unidad Xochimilco.<\/p>\n\n\n\n

I.<\/p>\n\n\n\n

V\u00edctor Alejandro Le\u00f3n P\u00e9rez, nacido en la ciudad de M\u00e9xico, es un artista pl\u00e1stico egresado de La Esmeralda, la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado perteneciente al INBAL, una de las escuelas de arte m\u00e1s prestigiadas de M\u00e9xico, fundada en 1943. <\/p>\n\n\n\n

La conversaci\u00f3n fluy\u00f3 desde el primer instante que comenz\u00f3 a hablar de las piezas que componen este ensayo visual sobre su obra. Hizo un recuento de su trayectoria, motivaciones, intereses y fuentes de inspiraci\u00f3n mediante las cuales se conecta con el mundo, con su entorno y con la docencia que ejerce en una escuela para personas con discapacidad a quienes introduce en el arte.<\/p>\n\n\n\n

Su obra, plantea \u00e9l mismo, es un paradigma. Es decir, surge de una serie de conceptos, valores y pr\u00e1cticas que definen su forma de entender el mundo, pero principalmente de su necesidad de plasmarlo. Desde sus primeros proyectos, una serie de retratos al \u00f3leo realizados en gran formato, explica que fueron influenciados por el expresionismo alem\u00e1n y el neo expresionismo, a trav\u00e9s de pintores como Otto Dix (1891-1969) o m\u00e1s recientemente, Anselm Kiefer (1945) y Martin Kippenberger (1953-1997); los tres, renombrados artistas alemanes del siglo XX. En la obra de Dix, figura destacada del Movimiento Expresionista y m\u00e1s adelante del Movimiento Nueva Objetividad, se reconoce la crudeza y las desgarradoras consecuencias de la primera mitad del siglo XX, es decir, de la Primera Guerra Mundial; de la vida en la posguerra y de las tensiones sociales de la \u00e9poca. Kiefer, por su parte, expresa el impacto de la Segunda Guerra Mundial en su obra atrav\u00e9s de las tensiones provocadas por el nazismo y el holocausto; mientras que Kippenberger, figura central del Movimiento Posmoderno, es reconocido por su enfoque irreverente del arte y su cr\u00edtica mordaz a la instituci\u00f3n art\u00edstica y a la cultura contempor\u00e1nea: \u201cme encantaba la manera tan gestual, c\u00f3mo resolv\u00edan sus im\u00e1genes, sus composiciones y el gesto para enfatizar descontento\u201d, el objetivo de esos primeros proyectos fue intensificar todo de forma dram\u00e1tica, explica V\u00edctor Le\u00f3n. Es en estas influencias, en este eco, que se puede explicar lo perturbador de algunos de sus cuadros en tanto fueron influenciados con los artistas alemanes que plasmaron las guerras. <\/p>\n\n\n\n

Tambi\u00e9n tuvo influencia del c\u00f3mic y de pintores como H.R. Giger, creador de Allien, un artista tanto \u201cindustrial, como sexoso\u201d \u2013define\u2013, de quien considera tuvo una forma nueva y original de plantear el cuerpo. Le\u00f3n relata que Giger es un artista alem\u00e1n de la posguerra que vivi\u00f3 en una zona ferroviaria que recib\u00eda a los muertos de la Segunda Guerra Mundial, raz\u00f3n por la cual su arte est\u00e1 impregnado de traumas y transgresiones que lo hicieron imaginar alien\u00edgenas, vaginas y penes fusionados con armas y trenes. Su realismo fue una de sus primeras influencias, incluso, antes de los expresionistas. Recuerda V\u00edctor Le\u00f3n que durante la pandemia del covid-19 trajeron una exposici\u00f3n de \u00e9l a la Ciudad de M\u00e9xico, que fue cerrada por ser considerada transgresora y provocadora. Nos aclara que  nunca fue su intenci\u00f3n imitarlo, sino inspirarse en \u00e9l para interpretar la realidad desde su entorno, su humor y con sus propias herramientas, materiales, luz e historias, tal vez desde las cantinas y pulquer\u00edas que ha conocido y desde sus vivencias cotidianas, que  podr\u00edan ser sus viajes diarios en el  metro de la Ciudad de M\u00e9xico o el ambiente bohemio que ha conocido.<\/p>\n\n\n\n

Para profundizar en su obra, nos habla del retrato, a trav\u00e9s del cual plantea un nuevo paisaje que dice mucho del individualismo de nuestros tiempos y de la forma en que vamos configurando nuestra identidad en medio del caos vial, del tumulto en el que estamos inmersos y de la din\u00e1mica de la propia ciudad: \u201ct\u00fa sales en una urbe y no ves monta\u00f1as o pinos, sino tumultos de gente. Entras al metro y hay tumultos de gente, vas al s\u00faper y hay tumultos de gente. Las avenidas \u2013Tlalpan, por ejemplo\u2013 est\u00e1n repletas de autos [otro indicio de urbanidad, el caos vial]. Entonces, empec\u00e9 a construir la idea de c\u00f3mo tambi\u00e9n tenemos esta necesidad de inmortalizarnos y el retrato es una forma de hacerlo\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Como cualquier individuo que vive las problem\u00e1ticas de nuestros tiempos, V\u00edctor Le\u00f3n no puede ser un artista de tiempo completo, para vivir trabaja ense\u00f1ando arte en una escuela para personas con discapacidad, situada al otro extremo de donde vive. De esos viajes, del contacto y de la interacci\u00f3n con las personas con las que se cruza diariamente, construye sus \u201cbit\u00e1coras de trabajo\u201d, como las llama, con dibujos y bocetos de personas an\u00f3nimas que transitan a su alrededor: \u201cyo vivo del lado sur de la ciudad y tengo que ir a Naucalpan a trabajar; entonces, la circunstancia te va dando la pauta. [Lo que hago] es una cuesti\u00f3n vivencial, voy en el metro, dibujo gestualidades y hago estos retratos [con econom\u00eda de l\u00edneas por la velocidad que requiere el ir en un espacio en movimiento]. La idea era realizar un ejercicio de memoria, ya que no siempre logras captar todos los detalles de una persona. Recuerdas vagamente cosas espor\u00e1dicas que te impactan. Y aunado a eso, el color da un tipo de car\u00e1cter, crea una atm\u00f3sfera y da una identidad a esa persona, porque puedes verla al cien, pero al mismo tiempo, puede ser nadie; sin embargo, al plasmarlo, t\u00fa ya le diste una identidad\u201d. Es decir, realiza un ejercicio de interpretaci\u00f3n influenciado por su propia cosmovisi\u00f3n y al mismo tiempo, \u201cun registro de personajes\u201d. El impacto que causan ciertas personas corresponde, dice \u00e9l, \u201cal azar, entre comillas, porque obviamente s\u00ed hay una intenci\u00f3n de encontrar al personaje que destaca por alguna peculiaridad: esa chica, esos ojos, el cabello, incluso el outfit<\/em>, pero en realidad es m\u00e1s concentrarse en el rostro\u201d. <\/p>\n\n\n\n

Dicho proyecto fue realizado entre el 2004 y el 2007, cuando todav\u00eda era un estudiante de La Esmeralda. Menciona que una vez captada la esencia del personaje, trabajaba en su estudio para llevar la pintura al \u00f3leo; agregaba color y se adentraba en lo est\u00e9tico y en su propia interpretaci\u00f3n del rostro. Fue una \u00e9poca, recuerda, en donde la m\u00fasica jug\u00f3 un lugar importante en su proceso de creaci\u00f3n. En ese entonces el rock lo acompa\u00f1\u00f3: \u201cla m\u00fasica en general te genera en el cerebro dopamina yserotonina, que te alegra y te cambia de humor [hasta llegar a la euforia, punto clave para la creaci\u00f3n en su caso], como dec\u00eda Gustavo Cerati: \u2018me gusta poner m\u00fasica triste para sentirme bien\u2019. Me encanta esa frase porque es un ejercicio que yo practicaba mucho. Pon\u00eda m\u00fasica melanc\u00f3lica y me sent\u00eda muy bien en ese estado, eso me ayudaba a crear [pues es un estado en el que me encuentro m\u00e1s suceptible, meditabundoy perspicaz]. El color y el gesto del trazo lo relacionaba mucho con la m\u00fasica. Tuve una racha de estar escuchando a Iggy Pop and The Stooges, y \u00a1uff, me encantaba ese estilo! Entonces, de verdad que quedaba plasmado ah\u00ed. De hecho, tengo una pintura grande de esa \u00e9poca (Personaje n\u00famero 37)\u201d. <\/p>\n\n\n\n

V\u00edctor Le\u00f3n nos cuenta una an\u00e9cdota sobre ese per\u00edodo que permite comprender la manera en que el entorno y el tiempo que se vive moldea e influye de manera similar en las personas, en las corrientes art\u00edsticas y, por su puesto, en el imaginario colectivo. Sucedi\u00f3 en una \u00e9poca en que comparti\u00f3 departamento con un amigo, considerado por \u00e9l un dibujante extraordinario, \u00c1ngel Ch\u00e1vez, alias \u201cEl conejo muerto\u201d. La historia surge a partir del retrato que tiene colgado en la pared. Se trata de un artista nacido en Puebla del que considera, recibi\u00f3 fuerte influencia: \u201c\u00e9l estuvo viviendo aqu\u00ed un tiempo cuando yo estaba trabajando en esto, entonces empezamos a mimetizarnos. \u00c9l y el maestro de dibujo se dieron cuenta. Ricardo Morales, el maestro de dibujo, nos dijo: \u00bfqui\u00e9n est\u00e1 copiando a qui\u00e9n?, porque \u00edbamos a soluciones muy similares. Entonces decidi\u00f3 irse y retom\u00f3 otra vez su l\u00ednea [pero seguimos coincidiendo] en tem\u00e1ticas como el paisaje urbano y en los personajes…\u201d. No es de extra\u00f1ar dado que ten\u00edan historias de vida muy similares, los mismos intereses, incluso escuchaban la misma m\u00fasica, si bien, finalmente: \u201ccada uno fue plasmando sus matices\u201d.<\/p>\n\n\n\n

El v\u00ednculo entre la m\u00fasica y el arte fue el detonador para la creaci\u00f3n de personajes an\u00f3nimos en esa etapa de su vida. Imaginaba e interpretaba el mundo social en el que viv\u00eda con el \u00fanico objetivo de plasmar a los habitantes de esta ciudad y dar su visi\u00f3n del mundo. \u201cEra gente con la que me cruzaba en el metro, en el banco o en cualquier lugar donde me parara [ve\u00eda la oportunidad de apropiarme de la esencia de las personas que me rodeaban]. \u00bfPor qu\u00e9 retrato? Porque es lo que veo, veo personas. A donde voy, veo personas\u201d. Su intenci\u00f3n no era imitar, ni copiar, aclara, \u201csino m\u00e1s bien replantear, yo le llamaba deconstrucci\u00f3n de la imagen: t\u00fa eres con determinadas caracter\u00edsticas, pero yo te deconstruyo para crear mi arte\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Fue una \u00e9poca productiva\u2026 \u201cTengo como unas seis bit\u00e1coras as\u00ed, m\u00e1s la pintura, grabado y litograf\u00eda, que es el proyecto que quiero exponer y el m\u00e1s completo que he tenido y en donde empec\u00e9 a construir [una serie de im\u00e1genes que radican entre lo real y lo ficticio]. Empec\u00e9 planteando paisajes [urbanos], experimentaba con la t\u00e9cnica, con las tem\u00e1ticas, estaba buscando un lenguaje propio, un discurso de mi obra hasta que llegu\u00e9 a esto. Fue cuando descubr\u00ed a los expresionistas alemanes\u201d. De los pintores mexicanos menciona que tuvo influencia de Jos\u00e9 Clemente Orozco en la misma \u00e9poca, \u201cel mejor dibujante del mundo, seg\u00fan Picasso\u201d, agrega.<\/p>\n\n\n\n

V\u00edctor Le\u00f3n recuerda que pasaba mucho tiempo dibujando en cantinas y pulquer\u00edas, incluso m\u00e1s que en el metro: \u201clos comensales eran gente mayor con fuertes expresiones en el rostro, ahora ya est\u00e1 de moda entrar a la pulquer\u00eda y todo el mundo va [a esos tugurios]. Las mujeres no entraban, y si entraban, les ten\u00edan un espacio aparte. Cuando me di cuenta de eso, dije: \u2018no, pues tienen que estar tambi\u00e9n\u2019 [con el tiempo las mujeres fueron ganando terreno hasta apropiarse de estos espacios]. De repente tambi\u00e9n inventaba personajes, no todo era copiar, y eso tiene mucho que ver con la influencia del c\u00f3mic. Se va amalgamando todo: la m\u00fasica, el c\u00f3mic, los expresionistas, Jos\u00e9 Clemente Orozco y la crudeza como planteaba a la sociedad en su arte, fueron clave en mi proceso creativo\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Comenta que retom\u00f3 del c\u00f3mic las perspectivas y la exageraci\u00f3n de las expresiones faciales, \u201cle\u00eda mucho Batman, todo Marvel, X-Men y los Avengers, pero especialmente Spider-Man. Luego sali\u00f3 una editorial que se llama Image, donde crearon a Spawn<\/em> [que se form\u00f3 cuando] todos  los dibujantes de los noventa que estaban en Marvel, Eric Larsen, Todd McFerland, entre otros, decidieron fundar una editorial porque Marvel no les daba sus regal\u00edas o no quer\u00eda reconocer que ellos eran los autores y que no les pagaban lo justo, as\u00ed que decidieron hacer su propia editorial y crear sus personajes.  Despu\u00e9s Marvel los volvi\u00f3 a contratar porque se volvieron muy famosos. Hicieron una \u00e9poca de oro. Tuve suerte de que me toc\u00f3 una etapa muy rica del c\u00f3mic. Despu\u00e9s la industria creci\u00f3 y bueno, ahora el cine es el que explota todo lo que se hizo en los noventa y ochenta\u201d.<\/p>\n\n\n\n

II.<\/p>\n\n\n\n

Su segunda etapa como artista, explica, surgi\u00f3 de su propia necesidad de pintar al personaje completo en formatos grandes y verticales, podr\u00eda decirse que fue la evoluci\u00f3n del retrato o su complemento, pero tambi\u00e9n buscaba plasmar lo inmediato de nuestro tiempo. \u201cDescubr\u00ed que tiene que ver con la din\u00e1mica de la ciudad [con la prisa], entonces [lo pens\u00e9] como lo hace ahora la gente de dise\u00f1o, la gente de la mercadotecnia, que crean logotipos, que crean s\u00edmbolos para dar una lectura f\u00e1cil. Y entonces, si t\u00fa ves esto, es una lectura f\u00e1cil e impacta al mismo tiempo. Para mi el color es una herramienta, es ocupar la psicolog\u00eda del color para enfatizar la fuerza en los personajes, crear impacto en el espectador y que se queden con eso [un v\u00ednculo psicol\u00f3gico entre figura, fondo e idea]; hay flashazos que son los que te impactan y se quedan en tu memoria. Siempre hay algo, un color, el color de un vestido, el color de unos tenis, el color que predomina sobre lo dem\u00e1s. El color como una forma de crear atm\u00f3sferas, el color inspirador como herramienta fundamental en mi obra\u201d. <\/p>\n\n\n\n

Cabe mencionar que los personajes plasmados no tienen nombre para V\u00edctor Le\u00f3n, s\u00f3lo llevan un n\u00famero porque son parte de un registro que forma parte de una serie de personas que alg\u00fan d\u00eda cruzaron por la vida del artista, pero despu\u00e9s, al ser interpretados, se volvieron parte de \u00e9l. As\u00ed se explica el Personaje 17<\/em> que, como muchos otros, se transformaron y pasaron a formar parte del cosmos urbano del autor. <\/p>\n\n\n\n

La t\u00e9cnica es un tema importante porque no es un proceso separado de lo creativo, en el caso del \u00f3leo, a\u00fan cuando es un procedimiento que por su naturaleza implica ritmos pausados, \u00e9l lo aceler\u00f3 para seguir el ritmo de la din\u00e1mica urbana. \u201cTrataba de ganarle tiempo al \u00f3leo y algo que me agradaba hacer era ensuciar la paleta, formalmente tendr\u00eda que haber esperado que se secara el fondo, pero lo que hac\u00eda era intervenir todo r\u00e1pido, para que quedara de forma gestual. Mi idea era evidenciar la din\u00e1mica urbana cada vez m\u00e1s ca\u00f3tica [porque caminar sin esquivar a otra persona en el transitar de las principales calles de la ciudad, es imposible en estos tiempos]. Otra parte de esa etapa fue retratar tumultos de gente en donde hablaba de un nuevo paisaje a partir de personas\u201d.<\/p>\n\n\n\n

V\u00edctor nos habl\u00f3 de algunas de sus obras: el Personaje 37<\/em> inspirado en Iggy Pop o de la mujer rubia, que nadie lo sabe pero est\u00e1 inspirada en Rita Hayworth. Tambi\u00e9n mencion\u00f3 un elemento que podr\u00eda decirse, orienta su trabajo: \u201cla est\u00e9tica de lo feo\u201d. El motivo es el siguiente: \u201cno quer\u00eda ser complaciente, me interesaba el arte de lo feo, por decirlo as\u00ed, una est\u00e9tica que no cumpliera con esos est\u00e1ndares de belleza griegos e italianos, [se trataba de] plantear una est\u00e9tica. A fin de cuentas, tambi\u00e9n lo grotesco tiene su propia est\u00e9tica, quer\u00eda verme muy dram\u00e1tico, grotesco \u00bfpor qu\u00e9 tendr\u00eda que ser bonito? Si hay belleza de otra manera. Eso era lo que me interesaba\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Otros personajes que aparecen en su obra tienen un aspecto m\u00e1s alegre porque, aclara, realmente as\u00ed eran las personas, sin embargo, tambi\u00e9n hay que decir que su risa es \u201cdislocada, sard\u00f3nica, exagerada, que deforma\u201d. El efecto imaginado por \u00e9l es el de una persona alegre, que r\u00ede, pero que al ser vista en c\u00e1mara lenta y descubrir c\u00f3mo se deforma la cara, deja de ser agradable: \u201cno todo el mundo es Televisa. Digo, con todo el respeto al trabajo de esa gente [los artistas responden a las exigencias de las masas]; sin embargo, las primeras animaciones de Walt Disney son muy perversas [b\u00e9licas y hasta racistas], ahora todo el mundo se volvi\u00f3 susceptible, todo el mundo ahora es fr\u00e1gil y hay que cuidar las formas\u201d.<\/p>\n\n\n\n

III.<\/p>\n\n\n\n

V\u00edctor Le\u00f3n tambi\u00e9n interpreta la condici\u00f3n humana desde la naturaleza animal. Sus animales aparecen enojados o hambrientos, como son en cuanto a la voracidad que tienen por sobrevivir, pero emulando la naturaleza de las personas, explica. Entre los animales que forman parte de su obra, nos muestra una ballena anaranjada que no se observa especialmente violenta o deformada, sino con cierta belleza est\u00e9tica, aunque sus colores brillantes y fuertes son una forma de protestar por el cambio clim\u00e1tico. Comenta que la ballena fue parte de un ejercicio para \u201cdescansar\u201d de pintar las zonas oscuras del alma humana, sin embargo, no pudo evitar mostrar el sufrimiento de la ballena a trav\u00e9s de los cambios de color debido a la afectaci\u00f3n que los animales m\u00e1s grandes del planeta est\u00e1n padeciendo por el cambio clim\u00e1tico: \u201cel color anaranjado que predomina en la ballena es la denuncia a los estragos que hemos estado ocasionando al planeta. El fondo que est\u00e1 en un azul profundo es porque dentro de toda esa inmensidad que es el mar, hay un caos que pasa desapercibido\u201d. <\/p>\n\n\n\n

El nombre de la exposici\u00f3n organizada por la Universidad Pedag\u00f3gica Nacional en donde se present\u00f3 su serie de animales fue \u201cDivergentes aproxim\u00e1ndose\u201d. La obra que dio nombre a la exposici\u00f3n es un gorila enfrent\u00e1ndose. Comenta que, en su caso, \u201clos divergentes somos nosotros porque estamos apropi\u00e1ndonos de su territorio. Quer\u00eda que causara ese impacto visual de: ya te est\u00e1s pasando\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Lo mismo, el artista se sumergi\u00f3 en el universo marino de los pulpos, dice: \u201cme encant\u00f3 saber c\u00f3mo es el caso del pulpo, porque nosotros tenemos una gen\u00e9tica con la que nos transmitimos la informaci\u00f3n, pero ellos parten de cero y logran llegar a resolver cosas impresionantes con su inteligencia. Eso me impresion\u00f3 mucho, pens\u00e9: si nosotros fu\u00e9ramos pulpos, seguramente estar\u00edamos menos estereotipados, tal vez pudi\u00e9ramos ser m\u00e1s originales y a partir de esa idea empec\u00e9 a imaginar c\u00f3mo relacionar a los animales con nosotros, por ejemplo, como lo hacen los superh\u00e9roes de los comics. Superman que vuela, nosotros no podemos hacerlo, entonces era tratar de reflejar lo que podr\u00edamos envidiar del pulpo, quiz\u00e1 la fuerza bruta, la capacidad de nadar, de viajar, de aprender; esa es la parte en donde nosotros no podemos ser como ellos, porque esa es su naturaleza, aun cuando tratamos de imitarlos con la tecnolog\u00eda, esa es nuestra condici\u00f3n humana\u201d.<\/p>\n\n\n\n

La investigaci\u00f3n sobre los animales transit\u00f3 por diferentes caminos, otro de ellos fue el de los animales en extinci\u00f3n, como el caso del rinoceronte. El artista recuerda: \u201ccuando estaba investigando sobre los animales en los que quer\u00eda trabajar, pens\u00e9 que el rinoceronte es visualmente impresionante, de inmediato dices: \u00a1wow, qu\u00e9 animal tan precioso y salvaje! Cuando los ingleses llegaron a \u00c1frica, los nativos se refer\u00edan a los rinocerontes como \u2018Wyd\u2019, queriendo decir wild, <\/em>sin embargo escuchaban como si dijeran white<\/em>, entonces se le qued\u00f3 el rinoceronte blanco<\/em>, aun cuando no era un rinoceronte blanco, y as\u00ed qued\u00f3 el nombre de esta especie. \u00c9ste lo pint\u00e9 justo antes de que se extinguieran. Coincidi\u00f3\u201d. El trabajo de V\u00edctor tiene la intenci\u00f3n de ser un poco una referencia a las especies que van desapareciendo. \u201cParte de la idea de la serie es que sean como las monograf\u00edas o las biograf\u00edas que nos ped\u00edan en la primaria, esas peque\u00f1as estampitas, pero en un formato grande [para que puedas apreciar su majestuosidad], por eso se llama Territorio de Wyd<\/em>. Tambi\u00e9n tiene que ver con la apropiaci\u00f3n del territorio [la explosi\u00f3n demogr\u00e1fica nos ha orillado a ocupar espacios de naturaleza de ellos]\u201d. M\u00e1s adelante muestra de entre sus cuadros un elefante que forma parte de la serie y que al ir de frente se amag\u00f3. Se le ve arrastrando la trompa en la Tierra, como signo de que quiere atacar, dice V\u00edctor que est\u00e1 furioso porque los seres humanos lo tratan de invasor por entrar a una granja y tratar de destruirla, cuando en realidad nosotros nos apropiamos de su territorio e invadimos su h\u00e1bitat natural. <\/p>\n\n\n\n

IV.<\/p>\n\n\n\n

\u201cDespu\u00e9s aparece la \u2018mosca\u2019, esa que est\u00e1 en todos lados y puede volverse una pesadilla, \u00a1a qui\u00e9n le agrada ver que se pose una en el pastel!\u201d. Esos cuadros \u2013explica\u2013 son de 1.80 x 1.50, \u201clo que hice fue jugar con la proporci\u00f3n, quise que fuera una moscota<\/em>, para mostrar c\u00f3mo un animal tan peque\u00f1o te puede causar tanto ruido. Se trata tambi\u00e9n de un contexto m\u00e1s urbano\u201d. A partir de ese momento su trabajo pas\u00f3 a ser una cr\u00edtica a la modernidad, se centr\u00f3 en la din\u00e1mica urbana, en mostrar postes de luz, sombras, puentes peatonales. Su trabajo tambi\u00e9n empez\u00f3 a ser menos agresivo y arm\u00f3nico, incluso m\u00e1s amable, como de quien hace la paz con el mundo \u2013dice\u2013 pero sin perder el gusto por el dinamismo y la experimentaci\u00f3n: \u201cme encanta la idea de la luz, la noche, la melancol\u00eda, el registro del tiempo, de la gente transitando edificios, que bien puede ser Nueva York o el centro de la Ciudad de M\u00e9xico\u201d. Algunos de los nuevos cuadros fueron dibujos realizados con acuarela, tinta china y litograf\u00edas, incluso hay algunos trabajos monocrom\u00e1ticos o en serigraf\u00eda. <\/p>\n\n\n\n

Uno de los cuadros preferidos de V\u00edctor Le\u00f3n se titula: La Mancha Urbana<\/em>. Lo explica a partir del contraste entre el universo infinito que existe por arriba de nosotros y nuestro quiz\u00e1 insignificante lugar en el espacio: \u201cquer\u00eda plantear c\u00f3mo somos una cosa de nada, c\u00f3mo la mancha urbana va creciendo, pero arriba hay mucho m\u00e1s que nuestra humanidad y no nos alcanza el entendimiento para comprender todo lo que hay en el universo [la mancha urbana va creciendo horizontalmente, pero somos un microcosmos ante la inmensidad del universo]. Varios de los registros de la urbe son en gran formato bajo influencia de Anselm Kieffer [1945]\u201d. En otros cuadros realizados durante esta misma \u00e9poca, se puede observar parte del distribuidor vial cuando se empezaba a construir, los moldes, o los grandes tubos y columnas de concreto. Son obras que juegan con las perspectivas, con el color y con la composici\u00f3n, incluso con la luz de los autom\u00f3viles y el caos que crean en la ciudad. <\/p>\n\n\n\n

Finalmente, esta parte de la conversaci\u00f3n termin\u00f3 cuando sac\u00f3 de su librero un altero de bit\u00e1coras que, aunque personales y sin haber sido expuestas, son parte fundamental de su obra. Se trata de bit\u00e1coras de viaje, cierto tipo de apuntes y de notas, proyectos, ideas, todo plasmado en bellos dibujos de colores y trazos a diferentes tintas. Algunos incluso, son el storyboard<\/em> de proyectos en video que piensa filmar en alg\u00fan momento, pero que por s\u00ed solos tienen invaluable calidad como objetos de arte. Tambi\u00e9n son diarios dedicados a su hija Tamara en sus primeros meses de vida en que, recuerda, todo era llorar, comer y dormir; o a su compa\u00f1era Karla, en sus largas noches de desvelo alimentando a su hija. Son trabajos personales e \u00edntimos llenos de imaginaci\u00f3n con un alto valor por su forma de observar el mundo que lo rodea y convertir esto que mira, en arte.<\/p>\n\n\n\n

V.<\/p>\n\n\n\n

La otra parte de su trabajo est\u00e1 dedicada a la educaci\u00f3n especial como profesor de arte. Esta labor inici\u00f3 cuando la directora de la escuela [Mar\u00eda Antonieta S\u00e1nchez Paredes] en donde trabajaba como profesor de educaci\u00f3n f\u00edsica, le propuso construir un taller de arte. Sucedi\u00f3 en el Centro de Atenci\u00f3n M\u00faltiple N\u00famero 15 de la Secretar\u00eda de Educaci\u00f3n P\u00fablica, ubicado en Naucalpan, y dedicado a la atenci\u00f3n de diferentes discapacidades. Explica que se les llama talleres laborales dedicados a formar a los estudiantes para la vida y el trabajo, en los que \u00e9l como artista pl\u00e1stico les ense\u00f1a t\u00e9cnicas de dibujo, pintura al \u00f3leo y serigraf\u00eda. Define el proceso como laborioso y es descrito de la siguiente manera: \u201cyo trabajo con chicos, j\u00f3venes que tienen entre 15 y 22 a\u00f1os, que permanecen 4 a\u00f1os conmigo, son 4 m\u00f3dulos [la intenci\u00f3n es que en ese tiempo desarrollen sus habilidades]. Trabajamos por competencias llamadas ciudadanas, que tienen que ver con autonom\u00eda, independencia e interacci\u00f3n social; y las b\u00e1sicas que son competencias de comunicaci\u00f3n, de pensamiento matem\u00e1tico y del uso de la tecnolog\u00eda. Adem\u00e1s de las competencias laborales, que, en este caso tienen que ver con la serigraf\u00eda, con aprender la t\u00e9cnica, pero tambi\u00e9n con habituarse al trabajo; que soporten una carga horaria de 8 horas, respeten turnos, etc. Se trabaja de manera transversal la comunicaci\u00f3n, el pensamiento matem\u00e1tico y todo lo que mencion\u00e9, a trav\u00e9s de la expresi\u00f3n y apreciaci\u00f3n art\u00edstica. La comunicaci\u00f3n principalmente, es el \u00e1rea de oportunidad de estos j\u00f3venes, por lo que en el arte pueden organizar su pensamiento, pues el arte es comunicaci\u00f3n. Algunos alumnos no logran la lectoescritura, o no tienen habituaci\u00f3n al trabajo o no socializan, siempre van de la casa a la escuela y viceversa, esa es su vida. La idea es crear un espacio en donde potenciemos sus habilidades y que se desarrollen visualizando un \u00e1rea laboral en la que puedan integrarse\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Los alumnos a los que V\u00edctor Le\u00f3n se refiere tienen diferentes discapacidades, por lo tanto, tienen diferentes ritmos de aprendizaje: \u201cporque no es lo mismo trabajar con un chico sordo que con un chico con discapacidad intelectual, que implica diferentes niveles de compromiso cognitivamente. Es decir, con los chicos autistas se trabaja de una manera espec\u00edfica, con consignas cortas; con los chicos Down de otra manera y con los chicos que tienen una discapacidad intelectual m\u00e1s comprometida ya se vuelve muy complejo porque hay que hacer una planeaci\u00f3n que responda a las necesidades de cada uno de ellos. Al final todos somos creativos, desde el chico Down que hace un estilo m\u00e1s radical, m\u00e1s inmediato, estereotipado del monito de bolitas y palitos; a un chico autista que tiene la capacidad de crear, de imaginarse cosas, de ser minucioso; o un chico sordo que hace una mimesis de la realidad impresionante, te puede copiar lo que quieras. Tienes todos esos niveles en un solo grupo. Es interesante porque adem\u00e1s siempre parto de los intereses de nuestros j\u00f3venes y eso hace que los proyectos fluyan. Por ejemplo, les digo, vamos a hablar de la figura humana y entonces les pregunto: t\u00fa c\u00f3mo concibes el cuerpo, desde qu\u00e9, desde d\u00f3nde, desde la historia, desde lo f\u00edsico, desde los sentimientos. Y entonces los voy introduciendo a las emociones o al dise\u00f1o [realizando ejercicios de dibujo, pintura, apoy\u00e1ndose del internet y de los libros, para contextualizar a los j\u00f3venes en su proceso creativo]. Vas detonando que ellos hagan conciencia de s\u00ed mismos, es mucho esta reflexi\u00f3n del autoconocimiento\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Para V\u00edctor otra parte fundamental del trabajo de estos alumnos es el proyecto de vida en el que se deben visualizar, es decir, qu\u00e9 van a hacer despu\u00e9s. \u201cEs una parte muy bonita en la que ellos se reconocen, la idea es reforzar la autoestima tambi\u00e9n, porque algunos chicos son relegados por su misma condici\u00f3n. Se trata de crear un ambiente en el que se sientan m\u00e1s seguros sin caer en la sobreprotecci\u00f3n [tema constante entre los padres de familia y en la comunidad escolar]. Lo que hago es crear acuerdos entre ellos y, sobre todo, el m\u00e1s enf\u00e1tico es el del respeto, porque a partir de eso van a tener la confianza de poder ser plenos y poder tener la confianza de realizar las actividades de acuerdo a sus posibilidades. Entonces, lo interesante de trabajar con ellos es que no caes en los est\u00e1ndares [tradicionales] de creaci\u00f3n, pues su espontaneidad prevalece ante todo juicio.<\/p>\n\n\n\n

De sus experiencias como profesor, cuenta algunos casos que mostraron grandes talentos art\u00edsticos, por su forma de dibujar y de pintar. Un caso excepcional es el de un joven sordo al que incluso han llevado a exponer en la Fundaci\u00f3n Sebasti\u00e1n, por el talento que desarroll\u00f3 en la pintura \u2013cabe se\u00f1alar que el apoyo de su familia fue fundamental\u2013. Otro caso fue el de una alumna con hipoacusia, con talento natural y una impresionante sensibilidad para el color, explotando esta cualidad en la pintura y logrando dominar esta t\u00e9cnica y siendo remunerable su trabajo, decidi\u00f3 el camino de formar una familia y afortunadamente tiene una vida feliz. <\/p>\n\n\n\n

El proyecto m\u00e1s reciente de V\u00edctor Le\u00f3n es formar un grupo de artistas sordos, con algunos de sus alumnos que seg\u00fan dice, \u201cson impresionantes, todos dibujan y pintan con maestr\u00eda\u201d. Menciona que tambi\u00e9n quiere hacer subgrupos: el de los sordos, el de los chicos autistas o discapacidad intelectual, y en alg\u00fan momento fusionarlos: \u201cquiero que cada uno agarre su camino con respecto a su capacidad de crear, pero necesito contar con el apoyo de parte de los pap\u00e1s. Estoy seguro de que podr\u00edan formar un colectivo aut\u00f3nomo en su producci\u00f3n art\u00edstica, siendo un ejemplo a seguir en el tema de la discapacidad\u201d.<\/p>\n\n\n\n

La conversaci\u00f3n concluy\u00f3 con una serie de reflexiones sobre las pol\u00edticas de inclusi\u00f3n y los vicios sociales en este sentido, as\u00ed como acerca de la necesidad de generar pol\u00edticas de sensibilizaci\u00f3n y de creaci\u00f3n de espacios laborales, m\u00e1s all\u00e1 de subsidios y d\u00e1divas. \u201cLo importante es que sean capaces de ganarse lo que les llegue a sus manos. Esperando contribuir con un granito de arena en el tema de discapacidad y arte. Hay que darse la oportunidad de conocer a las personas con discapacidad, son personas impresionantes. Y son eso, son personas, no son ni el angelito, ni el pobrecito. Son personas que tienen un desarrollo diferente al de nosotros y que tienen otras necesidades\u201d.






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\"\"<\/figure>\n\n\n\n

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Entrevista con V\u00edctor Le\u00f3n: su trayectoria, motivaciones, intereses y fuentes de inspiraci\u00f3n mediante las cuales se conecta con el mundo, con su entorno y con la docencia que ejerce en una escuela para personas con discapacidad a quienes introduce en el arte.<\/p>\n","protected":false},"author":2,"featured_media":5441,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[161,512],"tags":[155,557,556,312],"class_list":["post-5440","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-entrevistas","category-numero-46","tag-arte","tag-creatividad","tag-docencia","tag-urbano"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/5440","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/users\/2"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=5440"}],"version-history":[{"count":4,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/5440\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":5447,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/5440\/revisions\/5447"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media\/5441"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=5440"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=5440"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/veredas.xoc.uam.mx\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=5440"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}